en Cusco

“Fundado en abril de 1997 en Santiago de Chile. La música instrumental de ENTRAMA es un himno a los territorios del sur de las Américas y ella es el vivo reflejo de la voluntad de sus músicos de hacer converger las culturas inmateriales andinas, autóctonas y urbanas de Chile en un mismo tejido melódico.

Su música es esencialmente un vehículo artístico de apoyo a la democracia, a la libertad y al diálogo social intergeneracional. Así, la música innovadora y original de ENTRAMA, es una expresión patrimonial viviente y un instrumento de transmisión en tiempo real de las músicas de los pueblos del sur de hoy y de siempre.”  ENTRAMA

ENTRAMA

Conocí la música de Entrama en el 2005. Gracias a Marcelo Arenas e Italo Pedrotti quienes estaban en  Arequipa en un Festival Internacional de Charango. El primer disco que escuché de ellos fue “Simbólico”, un trabajo realizado con la Orquesta Sinfónica de Concepción (Chile), un disco que me sorprendió muchísimo pues contenía sonidos nuevos para mi.

Desde entonces, el que ENTRAMA toque en Cusco fue el objetivo y así fue éste año. Por fín y gracias a la insistencia constante de Marcelo, fue que se concretó la llegada del grupo a la ciudad de los Incas.

El primer concierto se realizó en el auditorio del convento de Santo Domingo – Q’oricancha. Tuve la oportunidad de acompañarlos durante la prueba de sonido, donde demostraron total profesionalismo desde los técnicos hasta los músicos, desde la previa hasta el último minuto del concierto.

Sebastián y Marcelo en Q'oricancha

últimos detalles

En la prueba de sonido

probando...

Una cosa es escuchar un disco e imaginar a los músicos tocando… Otra distinta es, que tras aprender los temas, conozcas a los músicos y te deleites al verlos tocar, esperando a cada compás esa guitarra, ese bajo, esos vientos o esa batería. Y eso pasó con ENTRAMA…

Rodrigo Durán en el Chelo

Concierto en Q'oricancha

Aquella noche,  demostraron su talento. Y básicamente mostraron que cada uno es un músico importante, que no hay estrellas sino que todos se complementan desde su rol… Cada uno aporta en cada tema. Me fascinó ver que muchos de ellos son multi instrumentistas. Fue un muy buen concierto, personalmente quedé muy conmovida…!

¿Cómo se podría definir la música de ENTRAMA? Es una mezcla variada, de estilos, sonidos y sensaciones. Cada uno de los temas es diferente de otro y propone un paisaje distinto, una emoción diferente…”La música que  hace ENTRAMA es una mezcla de muchas cosas, todos tienen mucha información y vienen de lugares distintos y así como es la convivencia, es la música que nace…” Sebastián Iglesias.

Es un experimento sonoro, como un tejido que reúne varias figuras en su cuerpo y que trae una esencia personal y a la vez colectiva: “Hacemos música del alma… hacemos una mezcla de muchas cosas. Una mezcla de toda nuestra influencia y formación desde niños, es como dice la palabra, entrecruzar los hilos, los colores, para ir tejiendo un manto sonoro que parte de la raíz folklórica latinoamericana y que se abre a otros estilos de la música del mundo”  Daniel Delgado.

Daniel Delgado

No creo equivocarme al señalar que ellos son la continuación de la música chilena que nace en los ’70, con Víctor Jara, Violeta Parra, Inti Illimani, Quillapayun, Jaivas, entre otros… ENTRAMA ha cogido algunos hilos de todos ellos y recrean sus propias composiciones en base a ese valioso legado.  A la vez, se proyecta en una música del mundo… es una mezcla interesante desde aquí, el ande.

Por eso es tan sencillo reconocerse en sus temas y hacerlos propios, a la vez las distintas influencias de cada uno, otorga al oído matices variados:  ”La música de ENTRAMA es una mezcla de muchas cosas porque el grupo tiene como varias corrientes, porque todos tenemos gustos diferentes y comunes también, pero todos vienen de distintos lados entonces cada uno trae algo y se empieza a armar una Entrama de muchos colores, sensaciones, a veces agresivo, pasivo…!”  Carlos Basilio.

Carlos Basilio

Lo admirable de ésta banda es que a pesar de las diferencias de estilos musicales, el punto en común que los une  es la Música. Y es por ello que han logrado trabajar a lo largo de éstos años.

Esta mezcla de gente y variedades es la médula de ENTRAMA, es lo que le da su carácter particular: ”Nos juntamos gracias a una conjunción de estrellas que nos logró agrupar a personas tan disímiles, con pensamientos tan diferentes uno de otro y que sin embargo en el escenario parecemos uno solo.” Pedro Melo.

Definitivamente: el Trabajo y  los ensayos marcan la calidad musical. Eso se nota “al tiro”… Y eso es lo que también quisieron compartir con los músicos de Cusco,  sus experiencias y su música.

Es por ello que se hizo una clínica, es decir un taller-concierto en el auditorio de la Escuela de Música, el cual fue llevado con todo éxito. El sonido fue perfecto y los asistentes, los necesarios e interesados. 

esperando a los asistentes

Sebastían, Memo y Marcelo

melodía

Pedro Suau y Pedro Melo

Marcelo Arenas

clínica en la Escuela de Música

El Ukuku’s pub, fue también escenario para la Banda… Ahí en una de las presentaciones interpretó un tema la cantante cusqueña Sonia Cahuana.

sonando en el Ukuku's

A pesar de todas las influencias musicales, hay una que es la columna vertebral del trabajo musical de ENTRAMA y es precisamente la Música Andina, que aparece por momentos en muchos temas: en el rasgueo que simula el viento en el charango, en las tarkas, quenas y zampoñas, en la batería que por momentos hace una cueca…

Pedro Melo

Me parece que ése es el aporte más importante de ENTRAMA. Precisamente el de “continuar” un legado musical, en éste caso el chileno. Es la música de éste tiempo, que además viene de un largo y añorado querer: “… en Chile la música andina tiene una particular importancia, porque en los años de la dictadura de Pinochet, habían grupos chilenos exiliados cultivando esa música, y cualquier persona que tenía un compromiso social o político esos años, de alguna forma u otra se sentía identificado con esa música  porque decía cosas que nosotros tratábamos de decir, y no podíamos porque te pegaban o te mataban, entonces la música andina se transformó en una bandera de lucha.

En Chile la música andina estaba prohibida, fue tan descarada la dictadura de esos años que prohibieron la música que tuviera sonidos de charango, de quena o de zampoña… “ Pedro Melo”

Memo en el charango

Personalmente, no me puedo imaginar un Perú sin su música y a veces pienso que a muchos no les vendría mal un poco de represión para que empiecen a valorar “ésta” música y  que empiece a ser tratada con todo el respeto que debería tener… Jamás en Perú se vivió una represión en la que se rompan discos de música andina, o esté prohibido el sonido de una quena… por ejemplo.

” yo creo que un peruano no se puede imaginar lo importante que es la música andina en Chile y la cantidad de gente que anda detrás… Para mí, como influencia ha sido tremendamente importante y no pienso abandonarla bajo ninguna circunstancia …  y aunque no sea música chilena, yo sigo siendo un habitante de Latinoamérica y en ese sentido el huayno, el joropo es mío… es nuestro, y de quien los quiera trabajar con respeto, tiene todo el derecho de hacerlo.” Pedro Melo.

ENTRAMA EN PORTADA

La Música es universal y de quien quiera tocarla. Obviamente respetando su esencia, los autores, sus instrumentos… y llevándola a niveles más amplios con respecto a la composición musical y lírica… Y es lo que precisamente necesita la Música Andina, que sea tratada de otra forma… con todo Respeto.

Pienso que éste encuentro nos cambió la perspectiva de muchas cosas relacionadas a la Música… tenemos muchas cosas en común, pues vivimos en una columna vertebral llamada “ande” que nos ha dado variadas y conmovedoras melodías.

Las fronteras, definitivamente son imaginarias. Aquí resultó que la Música es un lenguaje común entre quienes queremos hablarlo… en quienes estamos interesados. Somos Andinos, somos Hermanos!!!

GRABACIONES Y PREMIOS DE ENTRAMA

ENTRAMA 1998

Premio SCD (Sociedad Chilena de Derecho de autor)

“Mejor grupo de Jazz fusion”

1999: Composición y grabación de la música incidental para el documental de la obra del pintor franco-chileno Roberto Matta : “ Un Siglo de Mente “

CENTRO 2001

Premio “Fondart”

2002: Composición y grabación de la música incidental para el documental              “ Travesía “ de TVN

SIMBOLICO 2003

      (Trabajo Sinfónico) 

2003: Concierto con la Orquesta Sinfónica de Concepción. Entrama escribe los arreglos musicales basados sobre sus dos primeros CD’s.

Premio del Instituto Profesional de Música, Escuela Moderna “Meilleur Groupe”

Este año, posiblemente en diciembre presentarán en Santiago la cuarta producción de la banda… seguro que estaré por ahí!

Para conocer más sobre ENTRAMA, pueden acceder al siguiente link: http://www.entrama.scd.cl/

Era el año 1994, cuando unas pariwanas puneñas cruzaron el mundo, sobrevolando con sus alas rojas los oceános, jalando sus cañas, soplando sus soplos, palpitando los bombos. Como en un sueño la música del Sicuri iba rumbo a Roma. Este proyecto musical, tuvo como gestores a los hermanos Raffaele M. y Felice M. Clemente, quienes pretendían desarrollar un trabajo con la música del Sicuri denominado “Proyecto Pariwana”, bajo el sello de Trencito de los Andes.

http://www.delosandes.com/trencito/

Pariwana volando sobre Roma (Felice M. Clemente)

Previamente, en el primer viaje de «Trencito de los Andes» por los andes, se habían realizado contactos importantes con gente estrechamente vinculada a la interpretación de la Música Andina, es decir de las músicas que existen en los andes. Esta vez, el proyecto estaba enfocado al Sicuri.

Felice: “el contacto que teníamos era con Alfonso Cañazaca por haberlo conocido en 1986, en el mismo Huancané, donde caímos por pura casualidad en un ensayo de los aymaras -en aquel entonces recién formados como grupo- y eran toda gente muy joven. Alfonso era como el guía y a la vez el papá de todos ellos… nos gustó como tocaban y, a la hora de realizar el proyecto al cual dimos el nombre de “Pariwana”, identificamos en Alfonso el mejor intermediario del cual disponíamos.

En aquel tiempo la música de los sicuris nos encantaba al punto de estar totalmente convencidos que hubiera triunfado en Europa. Así invertimos de nuestro bolsillo todo el dinero necesario para producir el disco compacto «C’era una Volta il Sicu…», luego ir al Perú, organizar una selección de sicuris, juntar diez de los mejores y financiarles los pasaportes, el pasaje ida y vuelta Perú/Roma-Roma/Perú, la estadía en Italia eccetera… Todo esto fue durante el verano de 1994”.

Pariwanas en la agencia de viajes

Pariwanas volando

Una vez aterrizados en Roma llegó el primer baldazo de agua helada: inesperadamente, la mayoría de los conciertos previamente planificados habían sido cancelados. Frente a esa dramática situación los Clementes -como únicos responsables- reaccionaron organizando una gira por Italia “last minute”… y así Pariwana se presentó en algunas ciudades del norte y del sur de Italia tocando en escenarios, fiestas patronales, públicas y privadas además de calles y plazas, tratando aprovechar al máximo el extraordinario acontecimiento.

En el espectáculo que presentaron, además del Sicuri, también tocaron otros instrumentos; luego, antes del regreso último de los 10 invitados al Perú, se realizó una grabación en el «Digital Inca’Studio» de Trencito de los Andes, en Roma.

Copia del Master de dicha Grabación fué entregada a Alfonso (en calidad de responsable de la delegación Peruana) para ser publicada en el Perú, “ça va sans dire” (en Castellano: “por supuesto”)bajo el nombre de «Proyecto Pariwana».

Mientras tanto, algunos de los Aymaras seleccionados que no habían querido viajar se separaban del grupo madre para formar otra entidad a la que llamaron -¡Fíjense la Coincidencia!- «Proyecto Pariwana», quienes actualmente coexisten en Huancané. Pero, ésa es otra historia…

Mas, el disco «Proyecto Pariwana» tuvo que esperar algunos años más, antes de ser publicado.

Raffaele: “… no pudimos publicar el disco «Trencito de los Andes presenta: Proyecto Pariwana» hasta el 2002 porque durante ocho largos años estuvimos pagando la deuda que habíamos contraído para realizar el proyecto”.

Sin embargo, en la segunda mitad de la década de los ’90, los Aymaras publicaban, a su nombre, un disco compacto titulado “Terra Nostra” que no sólo contenía todos los temas grabados en Roma por la «Orquesta Pariwana», más también la entera suite “La Genesi” de «C’era una Volta il Sicu…» (20 minutos de música, enteramente compuesta por los hermanos Clemente). Es decir, desmembraron grabaciones de otros discos para ponerlos a la venta a nombre de los “Intercontinentales Aymaras de Huancané”.

carátula del cd "Terra Nostra"

Raffaele: “De las grabaciones, es importante saber que la mayoría de los sicuris que habíamos llevado a Italia no quisieron participar de ellas. Entre tantas razones que motivaron este triste hecho, destacó una en particular:

El miedo que los Qhantatis presentes en Italia le tenían a sus compatriotas conimeños y a sus compañeros de conjunto… Temían su reacción al saber que se habían juntado con los “Antagonistas” Aymaras de Huancané en Italia, y para evitar que eso quede impreso no participaron. Edelmiro fué el único entre ellos en grabar un poco más… Por el resto la participación de Qhantati Ururi en las Grabaciones fué prácticamente nula.

Más, en el otro bando, con los Aymaras de Huancané, también tuvimos que enfrentar muchos problemas… la incapacidad misma de algunos intérpretes muchas veces nos obligó a no hacerles grabar, pues, no estaban en las mínimas condiciones para hacerlo.

… Tanto que, al final, el Tema “Portovecchio” terminamos Grabándolo solo yo y Felice, con una pequeña pero emblemática participación de Alfonso (1 Sicu de 20 totales). La misma pieza fué posteriormente publicada por ellos en “Terra Nostra”, atribuyéndo abusivamente la autoría del tema al mismo Alfonso.

Carachaqui

Solo en un caso pudimos lograr que todos grabaran aunque sea una malta… y fué en “Ligero Pariwana” que los Aymaras de Huancané publicaron con el errado nombre de “Flamenco Pecador” y que en realidad es un tema que yo compuse cuando nació la primera hija de mi hermano Felice, Beatrice Clemente, y que llevaba inicialmente por título «Viatrichi» (una Aymarización del nombre de la niña).

Hace unas semanas, aparecieron mediante youtube unos videos colgados en la red por los “Intercontinentales Aymaras de Huancané”, en los que promocionaban a toda voz y públicamente la venta de un DVD de videos con su música. Uno de los videos colgados titulaba “Marcha a Francia” nombrando como autores a “Raffaele y Felice Clemente María”.

Las imágenes mostraban los Aymaras de Huancané en el coliseo de Puno, bailando una marcha sobre el audio (la música) de «La Marselina» de Trencito de los Andes -“Epitaffio” del disco «Sortilèges des Andes», 1996- anticipada en dicha obra por el Talkin’Blues polivocal titulado «La Música Andina».

«La Marselina» es un impactante arreglo Sicuriano de “La Marseillaise” (Himno Francés); el tema finaliza con una fuga de huayno ligero, cortada en el DVD con el fín de sincronizar la música de «Trencito de los Andes» con el video de los Aymaras.

Raffaele: “… dando además prueba de gran ignorancia. Se trata aquí del himno de Francia, y ellos -quizás porque concientes de su mala fé- pusieron en sobreimpresión “autor: Raffaele y Felice Clemente María” ¡una ensalada de nombres!

Más, evidentemente nosotros nunca podríamos ser los autores del himno Francés… ¡¿como podríamos haber sido nosotros los autores de un himno que ha sido compuesto en 1792?!

Es como si yo agarrara el himno del Perú, le pusiera de autor a mi primo y a Javier Calderón, y luego lo publicara bajo el título de “Marcha a Perú”.

Además el DVD publicitado en youtube dice a claras letras -escritas en la misma pantalla- que los Aymaras estuvieron presentándose en lugares en donde nunca han estado… Milán, Florencia, Genova, Bari, Pisa, Verona, Torino son todas ciudades que ellos nunca siquiera visitaron…

¡¡no se puede mentir tanto!!”

Felice: “… con respecto a uno de los temas, el Tinku de Acasio: Paola y Laura cantaban, Raffaele tocaba el charango y los Pariwanas hacíamos un zapateo todos juntos y eso funcionaba bien en las presentaciones… También se tocaban unos Locos Palla Pallas, los Chiriwanos de Huancané , las Choquelas de Conima, en fín!

Posando en plumas

Terminadas las grabaciones nos dimos cuenta que el master no pasaba de los 20 minutos de duración, por ende, al entregarlo a los Pariwanas -pues, el acuerdo era que ellos tenían que publicarlo en Perú y nosotros en Italia- quisimos añadir para ellos ése “Bonus Track”, también a manera de recuerdo…

Por ese motivo ellos después pudieron adueñarse del tema. Obviamente el cd, no debía ser publicado bajo el nombre de “Intercontinentales Aymaras”, debía ser publicado como “Proyecto Pariwana”, ésa fué la gran falta de ellos…”

Por otro lado la utilización de un material propio por otros ajenos conlleva enfrentar el tema de los derechos de autor. He escuchado decir a mucha gente que «Trencito de los Andes», roba música a los andes cuando son ellos, los únicos que la han interpretado de forma elegante y artística en los últimos 30 años, pues sus composiciones son verdaderas obras de arte, creaciones extraordinarias que contienen la raíz de la Música Andina, de todas esas músicas que existen en el Ande (entiéndase Andes, como las cadenas de montañas que caracterizan a ésta parte de América, parte geográfica que abarca Ecuador, Perú, Bolivia y el norte de Argentina y Chile).

En sus 22 trabajos discográficos como «Trencito de los Andes» y 2 como «Il Laboratorio delle Uova Quadre», Raffaele M. Clemente ha compuesto temas en base al legado tradicional, que contienen un sonido nuevo, más audible y comprensible mientras Felice M. Clemente -con el mismo procedimiento- entregaba a su obra una nueva poética e iconografía.

El proceso de composición parte desde el estudio de la música recopilada, el entendimiento de su estructura, la re-elaboración de conceptos y la creación de temas dentro de éste género completamente nuevo para muchos, eso es Evolución…

Lo que sí debe quedar claro, es que no se puede agarrar la obra de un compositor, quien ha trabajado en su escritura, ha producido un esfuerzo intelectual así como físico al redactarlo, inversión económica y de tiempo al grabarlo. Ese trabajo, le da los Derechos de Autor al músico artista.

Raffaele: “puedo esclarecer cómo funciona exactamente la ley del copyright, es decir la ley del derecho de autor.

Si tú compones un tema y lo registras en cualquier sociedad de autores del mundo, dicho tema quedará registrado a tu nombre y será considerado de tu autoría mientras alguien no demuestre el contrario.

Desde esta su registración, cualquier persona que decida tocar ese tema tiene que mencionarte y pagarte los derechos: Ésto sería teóricamente cómo funciona el asunto.

Ahora, si alguien compone un tema y yo o «Il Laboratorio delle Uova Quadre» queremos tocarlo podemos hacerlo! simplemente tenemos que mencionar el autor y pagarle los respectivos derechos a través de una sociedad de autores…

Además existe el llamado “público dominio” ¿Cuáles son las obras que pertenecen a éste rubro?:

-Todas aquellas músicas tradicionales (u obras artísticas en general) cuyos autores se perdieron en la memoria, por lo cual permanecen anónimas.

-Todas aquellas composiciones musicales cuyo autor decedió desde un mínimo de 70 años (Hablando de Europa; en otros paises pueden ser 50, 75 o hasta 100 años).

Así funciona la ley.

Volviendo al sicuri, esta música es tradicional y -al igual que el pan o el Alemán- no tiene propietario legal; por supuesto tiene orígenes, cunas, estilos, representantes eccetera… pero no tiene propietario legal, Ergo: nadie puede decir a buen derecho “el sicuri es mío”.

Sicuris tocando en el Viejo Mundo

Componer para Sicuri es un tema importante. Por ejemplo la pieza musical «Jaccha Q’ota» del álbum “La Scoperta Di Colombo” (1991), tiene autor a diferencia de muchos temas tradicionales desprovistos de propietario intelectual vigente.

A la vez existe el Derecho de Interpretación que tiene que ver con quien toca la música, que es el dueño de su propia versión.

Desde luego viene la producción, la edición, la financiación eccetera eccetera… En fín, ninguna persona que no esté autorizada por los legítimos autores, intérpretes y productores, tiene derecho a utilizar una obra musical publicada.

Otro tema abusado por los Aymaras de Huancané en este DVD es «Chiriguanos» del álbum “Il Puma e Gli Arconauti” (1999/2002)

Raffaele: “Quiero dejar en claro que los Aymaras no pueden sacar un track de nuestro disco y ponerlo en su disco.

Aquí tenemos un claro ejemplo: La música que tocan los Chiriguanos de Huancané no tiene propietario, es de público dominio porque el autor de esas músicas se perdió en la memoria. Eso significa que un chino, un japonés, un sudafricano, un italiano -si quieren-, pueden tocar la música de los Chiriguanos de Huancané… cualquiera lo puede hacer.

Más, ¿Qué fué lo que hizo «Trencito de los Andes» en “Il Puma e Gli Arconauti”?:

Escogió un tema de público dominio de los Chiriguanos de Huancané, se inspiró en él y creó toda una “Suite Sinfónica” que ya no puede definirse “acerbo Chiriguano” a pesar que en un movimiento de dicha “Suite” («Chiriguanos») la orquesta clásica acompañe y trenze sus notas con los Sicus Chiriguanos.

Esta es una operación que, basándose en una tradición, desemboca en una composición personal y artística, es decir:

un compositor registró su propia orquesta, la que él mismo escribió, en su propia sociedad de autores. Además todo esto se interpretó y se grabó en un disco publicado y eso nada tiene que ver ni con los Aymaras, ni con los Claveles, ni con los Pariwanas ni con nadie.

Nadie más que sus autores puede publicarlo a su nombre.

Felice: Está declarado como «tradicional y autoría Raffaele M. Clemente» porque los Chiriguanos son tradicionales (de público dominio), pero todo el resto ha sido escrito por un compositor. Entonces, en éste caso, la declaración es múltiple.

Raffaele: “Si ustedes no quieren hacer un trabajo serio, invertiendo en la producción y creación de su propia calidad, a mi eso me molesta muy marginalmente. Lo que me pregunto es: ¿Por qué lo hacen con nuestra música?

Señores, ustedes tienen idea de lo que cuesta hacer grabar una orquesta? Hay un costo en fuerza-trabajo, en talento, en creatividad, en horas, meses, años, vidas, y también en dinero.

Sí, porque grabar una orquesta cuesta mucho dinero! El resultado que se consigue al final es un tema musical, y este tema no puede ser raptado por quien sea, ni publicado, ni vendido abusivamente.

Nosotros cobijamos una idea desde hace años, la misma que generó el “Proyecto Pariwana”: hacer de ésta expresión musical un hecho universal, liberarla de una estrecha e inadecuada dimensión local para llevarla a un plano más amplio y alto. Claro que es un sueño compartido por muchos pero es la realización misma de éste sueño el Punto: el cómo.

Nuestra idea es que hay que partir por el profundo conocimiento del instrumento y de su música.”

Carátula del disco Proyecto Pariwana

La Música del Sicuri, la música Andina, merece ser tratada y conocida de forma profunda. La única manera para que ésta música evolucione, es generar nuevos temas que contengan el ADN del Ande.

Felice: “Obviamente lo mejor sería componer sicuris dentro de la estética del sicu [...] es una indudable señal de involución, dentro del sicuri actual, la aplastante cantidad de waynos; cabe resaltar aquí que el sicuri tiene muchos ritmos y el más profundo no es el wayno, es el sicuri lento o calmado. A través de él el Sicuri expresa su más alto nivel musical, alcanzando toda su hondura poética y lírica. Parece que está faltando material nuevo e inédito de éste tipo.

Seguramente hay mucha distracción y dispersión de energías. Hay mucha gente que toca en cualquier parte del mundo, de cualquier manera… todos soplan y no se sabe muy bien cómo!

El solo controlar toda ésta gente ya implica un enorme desperdicio de energías. Energías que antes vertían en la expresión artística, en la inspiración creativa.

Para mi no tiene sentido la difusión como masificación, más bien la difusión de un producto de altísima calidad: es la calidad la que tendría que generar la difusión.”

Sería interesante que lanzaramos una iniciativa por parte nuestra, los interesados por ésta Música que nos llama de forma misteriosa. Dejemos, para empezar, los pensamientos de propiedad geográfica! Cuando la música nos invita desde donde estemos, es Universal.

Empecemos a preguntarnos ¿Para qué tocamos ésta música? Y ¿Cómo la tocamos? ¿Expresamos algo que va más allá de la interpretación repetitiva, o es que ponemos algo de nuestra personalidad en ella? ¿Qué cuentan nuestras canciones, nuestros trabajos? ¿Expresan algo de nuestra realidad o vivencias?… ¿Realmente es Andino? (…)

La lección de estos dos hombres supera la Calidad Humana… no basta con hacer críticas ciegas y encerradas en cánones del tiempo de la Inquisición. Hay que escuchar Música Andina y entender su mensaje:

Felice: “La propuesta es constructiva, nada que ver con líos personales.

Aquí se trata de hacer de esta música algo serio: un ámbito de actividad humana donde puedan surgir figuras verdaderamente profesionales y que sea motivo de orgullo para todos!

Las características de la música andina están para que esta se vuelva un fenómeno importante en el planeta: sólo hay que empezar a tratarla con el debido cuidado y con el nivel que ella misma requiere.”

Aquí, y para deleite de todos… “Trencito de los Andes presenta: Proyecto Pariwana”, desde el Canal Youtube de “Il Laboratorio delle Uova Quadre”:

http://www.youtube.com/watch?v=YZq7C3iZ4Co

*las declaraciones son extracto del programa radial “Romance de Soplo y Caña” de Javier Calderón a través de Radio “Titicaca Encanto”, grabado a través de la web : www.titicacaencanto.com

Links relacionados:

http://www.delosandes.com/trencito/

http://www.illaboratoriodelleuovaquadre.com/

http://www.youtube.com/user/UovaQuadre

Entrevista a Jorge Oviedo
Director Musical del Teatro Nacional Sucre de Quito, Ecuador

¿Qué trabajo realizas en el Teatro Nacional Sucre? Mi función es la de ser director musical del Teatro, es decir a mi control está evaluar por así decirlo, la calidad de los espectáculos que se van a presentar aquí. En este caso es un orgullo para la fundación tener la presencia de los Trencito de los Andes, con la especial presentación de “los Huevos Cuadrados”.

¿Cuentan con dos orquestas, donde los músicos son remunerados, ¿ésta es una institución que realmente apoya a los músicos en la ciudad?
Tenemos bajo la administración del Teatro Sucre, la Orquesta de instrumentos andinos, que es una orquesta sui generis en el mundo. Creo que existen dos más en el mundo, una en Bolivia destinada a hacer música contemporánea estrictamente; en el caso de nosotros nuestra orquesta es más dinámica y aborda distintos temas, desde lo contemporáneo hasta lo más Tradicional.
A parte de eso tenemos la banda sinfónica, un ensamble de guitarras, un coro mixto, un coro juvenil, todo esto en un convenio de cooperación con la Municipalidad de Quito porque la fundación es Municipal, entonces nosotros administramos estos valores humanos musicales artísticos a través de la Fundación y los canalizamos a la comunidad de la mejor manera posible.

¿Cómo han sido éstos días trabajo, qué has aprendido de ellos éstos días que has venido trabajando?
Yo creo que básicamente la filosofía de ellos es muy atractiva, la de compartir, la de supeditar la experiencia musical a una experiencia humana, es decir la música como un plano complementario de la experiencia humana en sí, ésta es una experiencia fructífera con los huevos Cuadrados.

En muchas partes -de los andes- se tiene el prejuicio de que ellos como no andinos hacen ésta música ¿qué opinas de eso?
Para mi la música es una sola, o está bien hecha o mal hecha, no importa quien lo haga, yo creo además que la filosofía de los Trenes justifica en gran parte sobre su posición ante la música, es decir ellos son muy respetuosos de la tradición andina, y creo que su cosmovisión se asemeja a la cosmovisión andina. Yo creo que ellos han aprendido mucho más que la gente que vive cercana a las comunidades, de ésta cosmovisión y realidad indígena, entonces yo creo que es mucho más legítimo que ellos presenten éste tipo de música, a que otros lo hagan.

¿Cómo funciona el Teatro de Quito? Y qué proyectos tienen?
Básicamente la fundación del teatro de Sucre se ha convertido en los últimos cinco años en la sede de la cultura musical y de artes pláticas en la ciudad de Quito. El año pasado contamos con 544 eventos. Hay eventos diferentes de distinta calidad, pero básicamente la cantidad nos da para abastecer la gran demanda de Cultura del pueblo de Ecuador, porque también viajamos al interior del país, hemos abierto nuestro radio de acción.

Quiero que me cuentes, ¿cómo ha sido el primer día de trabajo, tu primera impresión?
Todo ha sido un trabajo bajo presión, puesto que ellos estaban pasando las partituras de mano a formato digital y luego de eso recién se pudo imprimir las partituras para los músicos. Aquí no teníamos na
da en cuanto al formato de orquesta que ellos requerían, ahora por eso mismo contamos con la colaboración de algunos amigos de la Orquesta Filarmónica de Ecuador quienes están complementando éste trabajo para respaldar el espectáculo.
La música que ellos hacen es digerible, yo en realidad no tengo mucho trabajo que hacer. Más bien debo estar atento para no romper el hilo conductor de la historia, más bien me amalgamo a ellos.

Finalmente, cómo es que la Fundación se atreve a invitar al Laboratorio a Quito, para realizar éstas presentaciones.
Creo que tenemos la ventaja de que nuestro Director Ejecutivo es un músico de alto prestigio, conocimiento y trayectoria, es uno de los mejores músicos y compositores de Ecuador. Entonces su ámbito de conocimiento de música del mundo también es amplio, entonces dentro de ese parámetro hemos traído artistas como Lito Vitale, Manuel Shatz de los mejores artistas del mundo, contando lógicamente ahora con la Experiencia del Trencito de los Andes y su nuevo proyecto del Laboratorio de los Huevos Cuadros.

El público se compenetró totalmente hasta el punto de que en el Tema “Azul Runas” cuando entraron los bailarines Otavaleños, zapateando cual fiesta popular, el público desde sus asientos también seguían el compás alegremente.

El toque Festivo, se dio con el tema “Latitud Cero” que fue interpretado por la banda de bronces. Un tema que bien representa a Ecuador y que a la vez es composición de Raffaele M. Clemente. Este tema evoca a la perfección a las fiestas populares y a la alegría de la gente, que a la letra traducida del quechua al castellano dice así: “Lejos en el frío, Ay para abrigarme, Ay tengo mi poncho, Y una chompa de lana. Ay sobre el pecho me pondré una camiseta, Ay brillará de cién colores. En esta camiseta, Un letrero dice: Ay ¡Qué viva Ecuador!, Ay ¡Latitud cero!… Viva Ecuador!!!”. Es mi deber, decirles que la letra de éste y los otros temas del Trencito vienen de la mano zurda de Felice quien tiene impresionantes Composiciones Literarias que se complementan con el exquisito Trabajo de Composición Musical de Raffaele.

La muerte estuvo presente. Pues quienes estuvimos ésta noche, presenciamos la muerte de Trencito de los Andes, que no podía pedir más que ser enterrado en una “Vasija de Barro”, un tema realmente conmovedor por la sentida interpretación de los integrantes del Laboratorio, además de la telúrica intervención de la orquesta. Ahí mismo en el escenario, apareció la Gallina Cuadrada quien puso un huevo… adivinan? cuadrado. Ya casi, era hora de dormir… los niños, fueron los encargados de abrir el huevo, que para sorpresa de todos contenía una yema… cuadrada. Ese fue el nacimiento de Il Laboratorio Delle Uova Quadre, quienes se despedían a ritmo de “Postsomnium”, un carrillón producido por una cajita musical. Un momento totalmente mágico que paralizó a todos.

Semanas previas al lunes Santo el Patrono es preparado con sumo cuidado y alabado con una serie de novenas y misas en la Catedral. Infaltables, las Ch’ayñas, las cantoras oficiales junto a sus músicos interpretan temas que rompen la monotonía acústica de la Catedral en cientos de prismas coloridos que deleitan y conmueven los oídos.

Las Ch’ayñas son mujeres en su mayoría que cantan a la Sagrada Imagen con profunda fe católica, generalmente heredan ese arte que luego deber ser también transmitido. Como la señora Beatriz Usca Vda. de Romero, quien interpreta también el Pampapiano desde 1946 y éste año ha introducido éste teclado electrónico. Ella dice que está enseñando a su nieta para que ocupe su lugar más adelante.

Su presencia y voz son exclusivas del Señor de los Temblores no siéndoles permitido cantar en otras partes más que en actos litúrgicos. La voz de la Ch’ayñas es aguda y nasal, técnica que nada que ver con la occidental tesitura de las sopranos. Sus cánticos expresan el Gran Amor al Señor, suplican su ayuda frente a las adversidades, manifiestan su plena confianza en su protección. Se dice que estos cánticos provienen de épocas precolombinas y que fueron transformados según los requerimientos de los conquistadores.

Sin embargo en la actualidad se mantiene firme su esencia musical andina. Este es un video de un momento de la Audición Radial, el domingo previo al lunes santo, audición que se realizó en Radio Inti Raymi.

Recuerdo que cuando éramos niños, mi Madre nos llevaba a la Catedral, a las misas vespertinas. Nos gustaba a Mi y a mi Hermano estar cerca las velas para jugar con la cera caliente durante el soporífero sermón y también porque nos daban calor, en aquella semejante bóveda de piedra. Un momento especial era cuando ellas cantaban. Aún recuerdo esos rostros arrugados de las señoras, sus tonos penosos agudos y roncos, muchas veces las vi llorar y sus lágrimas brillaban al igual que sus voces con luz de las velas.

Los músicos que las acompañan, algunas veces también cantan. Ellos interpretan un Orquestín Cusqueño adaptado al culto. Es decir: Arpas Cusqueñas, Quenas, Mandolinas, Acordeón, Violín, Guitarra y Pampapiano que está siendo reemplazado por un sintetizador electrónico. Excepto el Jazz Band o Batería que no es usado para esta ocasión.

Antaño, seguramente que las Chayñas acompañaban a los pies del Taytacha Temblores su recorrido por la Centro Histórico. Hace unos años, a no sé qué excéntrico clérigo se le ocurrió poner un auto con un parlante que emitía música religiosa “grabada”, que obviamente no eran de las lastimeras Chayñas, quienes han sido desplazadas por la banda de guerra del ejército, que también acompaña la procesión.

Hasta hace unos seis o siete años, la ceremonia previa a la salida de la procesión en la Catedral no era un espectáculo mediático. La Hermandad del Señor de los Temblores se encarga de cambiar el vestuario de la imagen, arreglar el anda y coordinar los detalles. Mientras se realizan una serie de misas encargadas por otros fieles y al finalizar, las Chayñas realizaban un contrapunto interesante, pues dos bandos ubicados a los costados del atrio se turnaban uno a la vez para cantar. Este año me sorprendió la cantidad de fotógrafos y camarógrafos.

En definitiva, las Chayñas y sus Músicos son únicos por la música que interpretan, que no existe en otro lugar del mundo.

La Paz: Muchas noches me separaron de su seno, llegué a su laberinto erróneo sintiendo un recuerdo.

La Paz que antes sentí, no estaba presente. El aire llegaba poco a los pulmones que fatigados tras tanto humo tóxico sentían su peso humano… además el frío calaba los huesos de manera muy exagerada, hasta el llanto.

Sin embargo en un lugar muy íntimo estaba Mi Paz …

El pretexto del viaje: LA MÚSICA, quien a cada nada me jalaba la oreja para llamar mi atención y no pensar en nada más que en su momento y presencia. Y fue muchas veces efectiva, pues me conectó al suelo de su razón de Ser.

Lamentable fue mi distracción, porque perdí muchas fotos como 400 de todo el recorrido musical y de los aprendizajes emotivos… Ahora con la cabeza un poco más fría, y las heridas curadas, por fin me he atrevido verlas (las que quedaron) y ponerlas aquí… como un buen recuerdo de lo aprendido. … Aquí van!

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Poco aire en mis pulmones, laberintos y apretujados callejones. Subidas y bajadas sin fin…

La noche que espera en ésta Plaza… mi Corazón se enfría al caer la noche. Me siento tan lejos… Parece mi casa, parece mi plaza… aún espero!

Salió la Luna…

Y si tengo alguna culpa, es la omisión de mis palabras en su debido momento y exponer mis Sentimientos a las brisas del Lago y sus melodías… Suenas en mi Mente… Música.

Atardece y mi juventud va yendo con la tarde. Maduro a fuerza.

Aquí queda Mi Memoria junto a las Notas Musicales, en casa de Laureano mientras afina los Moceños… hace frío.

Fotos desde el Carro, saliendo de Bolivia… de Regreso… el Lago profundo y azul… nos despide.

En un momento y tras las palabras, el Silencio se impuso… luego el Sueño y el Calor de nuestros sentimientos…

“… Ispallita, Ispalla, Chispa Encantadora… “

F.M.C.

Nuestro Altiplano… el altiplano de mi memoria, donde vibran las voces de todos tus tiempos, los canutos de todos, el pálpito de mi bombo y mi eterna razón de Ser.

Una calle empinada en el laberinto altiplánico de La Paz es la Garita de Lima en la que me contaron están los hacedores de los armónicos instrumentos de viento del altiplano.

Llena de letreros, casas atrevidas que parecieran hacer equilibrio a esa altura y con 8 pisos encima, hay tiendas de abarrotes, están la señora que con sus ollas de comida se gana la vida, un zapatero ambulante en la esquina… Y a cuestas, ellos, los luriris que frente a frente con sus sonidos que se encuentran a media calle, llaman a los clientes para atenderlos.

Un cartel avisa que ahí está la tienda de “Laureno Mamani, hacedor de Moceños y Quenas”, de su taller nacen los instrumentos que parten con rumbo incierto

Trabaja con sus manos, entregado a sus pensamientos que forman esas cañas “…le pongo su tapita y si no llora, me pregunto qué le pasa y lo dejo un rato hasta que suene…” Dice mientras cierra la caña de un Moceño, quien sabe si en cada uno de los agujeros que hace, deja un pedacito de su alma que sale al ser tocado… en algún lugar desconocido y lejano.

La Tropa de Moceños son varios tubos de caña de varios tamaños y se tocan de forma transversal y vertical según su contextura. La melodía a veces contiene sonidos que roncan y parecen desafinados y al interpretarlo, el músico debe pisar de forma especial sus dedos para producir el sonido característico de la Moceñada, que son acompañados además por un clarinete y un huancara pequeño.

Laureano es un tipo tranquilo, trabajador y lo hace desde los 6 años en la misma calle, aprendió del abuelo primero a hacer sicus, la tarea más fácil de realizar entre los luriris (constructores de instrumentos de cañas). Ahora tiene 56 años y sus hijos son quienes apoyan la empresa familiar, para salir adelante. La juventud de ellos y el conocimiento de su padre son sus potencialidades… mi esperanza porque continúen trabajando con maestría e esmero como Laureano.

Al escucharlo hablar suenan nombres de personas que a través del tiempo le enseñaron, su presencia es el amalgama de una larga lista de luriris que se sintetizan en sus dedos ¿cuántos cañas y cuántos agujeros? Tan sencillo y tan Valioso su Trabajo.

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Museo Nacional de Etnografía y Folklor (MUSEF)

La Paz, Bolivia

Entrevista al Antropólogo Ramiro Molina.
Director.

Bienvenido Virtualmente a Cusco, háblenos del Museo que está a su cargo:

El Museo Nacional de Etnografía en la ciudad de La Paz, es en realidad uno de los más antiguos museos del país. Tiene una historia muy larga que data de los 40 y 50 y a lo largo de su historia tuvo muchos nombres, fue Museo de Arte Popular, de Artesanía, de diferentes características hasta que más o menos en los años sesenta comienza a adquirir el carácter de Museo Nacional de Etnografía y Folclor.

Por su historia es uno de los repositorios más importantes del país, – y yo diría el más importante en lo que concierne a Bienes Culturales que provienen de los Pueblos Indígenas -, tenemos material de la cultura criolla mestiza de las ciudades pero tiene como énfasis la cultura indígena. Aquí entonces se guarda, se conserva, lo que fundamentalmente es su función. Contamos con bodegas que han sido construidas especialmente en un edificio moderno de tres pisos con sistemas de aire acondicionado, con controles de humedad para conservar las piezas.

Paralelamente, realizamos diversas actividades de curaduría propia de los museos, donde tenemos investigadores que van catalogando e investigando. Tiene todas las caras que debe tener un Museo, Conservación, Investigación y Difusión que es la más complicada, sin embargo el museo se ha puesto al día con los nuevos conceptos de museografía que engloban a una institución como ésta en la que no solamente se guardan cosas antiguas sino -y esto es lo hermoso de nuestros países-, de cultura viva porque no son culturas muertas.

Lo que generalmente ocurre con la Museografía Europea -la tradicional no toda- es que trata con culturas que son del pasado y sirve para educar a la gente sobre civilizaciones antiguas. En cambio en lo Nuestro existe una continuidad que persiste a pesar de los momentos históricos de grandes transformaciones, pero no deja de haber esa continuidad que hasta hoy en día se refleja como una de las características fundamentales de nuestra sociedad, lo cultural es el tema central que no solamente aborda la problemática del futuro de nuestros países, aborda además las problemáticas de a fondo que no han sido resueltas hasta hoy en día.

Qué Encuentra el Visitante, que llega al Museo de Etnografía y Folklor, aquí en La Paz?

Para empezar, se encuentra con una casa colonial del siglo XVI, la casa de Villaverde. Esta es una casa antiquísima que viene paralela a la fundación de la ciudad de La Paz, es impactante en medio de una ciudad de edificios grandes, está en el casco viejo de la ciudad donde todavía hay varias casas como ésta pero también cada vez menos. Se ha ido perdiendo esa cara típica de casco viejo de las grandes ciudades coloniales españolas como Lima, Cusco, Quito, etc. Esta casa es parte de esa memoria antigua dentro de una ciudad moderna.

Este museo ha ido recuperando éste monumento tan hermoso como es la casa de Villaverde y en los últimos 10 años se ha ido construyendo un moderno edificio al lado que no rompe la arquitectura colonial, es una de las cosas más interesantes del museo, hay cierta fluidez entre lo moderno y lo contemporáneo. Estamos ubicados a dos cuadras de la Plaza Murillo, un lugar bastante estratégico.

Sobre la Colección del Museo:

Tenemos entre nuestra gran colección de tejidos, desde ejemplares precolombinos y contemporáneos, de todo tipo y de diferentes regiones de Bolivia y algunas cosas provenientes de Perú, así como cerámica… todo eso debido a una coincidencia, pues había por aquí un señor japonés adinerado que vendía sus colecciones boliviana y peruana, y nos la dejó.

Son como 3500 piezas peruanas y que se tienen relación directa con las piezas bolivianas. Tenemos hermosas piezas en Arte plumario, desde el oriente Boliviano, el chaco que se complementa con lo trabajado a orillas del Titicaca. Además Trajes, Máscaras y una exposición permanente de ellas.

El museo es conocido aquí también por su extraordinaria biblioteca y su archivo sobre la cultura boliviana que se ha ido trabajando durante varias décadas. Es una biblioteca especializada que tiene que ver con la cultura indígena , rural y mestiza.

¿Cómo es que el Museo se Proyecta a la Sociedad?

Este museo tiene una articulación interesante con diferentes sectores de la sociedad y su proyección está ligada a los acontecimientos políticos de transformación que se van dando en el país, quizá ése museo sea el que más se ha adaptado a las transformaciones, ya que este museo por ejemplo está articulado al Ministerio de Educación y a todo el Plan de Desarrollo de Materiales Didácticos para los Niños, que tiene que ver con la interculturalidad, el fortalecimiento de la diversidad, etc. y esos temas los Trabaja el Museo.

Empezamos precisamente a trabajar un programa que se ha distribuido a todo el país relacionado al tema de la música, las costumbres, los bailes, las fiestas, todo el tema festivo que ha trabajado el Museo para la difusión en el sistema educativo en el país.

Es una transformación interesante, ya salimos de nuestras cuatro paredes a impactar a la educación, pero además tenemos un proyecto denominado “los museos comunitarios”, que fortalece a ciertas comunidades que muy integradas al sistema del turismo, apoyamos su museografía para que sea atractivo y al mismo tiempo no pierda la belleza y riqueza de su cultura (tradicional como la contemporánea), está ligado también a la artesanía, es un proyecto que está cerrando poco a poco el museo con aproximadamente 15 comunidades estratégicas de todo el país.

Pensamos que Bolivia como muchos países andinos, entre sus grandes fortalezas entre
términos de relaciones internacionales es su cultura o sus culturas que los caracterizan desde tiempos muy antiguos. El Museo como tiene un bagaje interesante y materiales que están a disposición estamos trabajando materiales que puedan servir en las representaciones diplomáticas, éste otro programa que estamos trabajando con la Cancillería.

Finalmente, como museo en sí, hemos abierto nuestras puertas no solo a investigadores sino también a estudiantes que vienen en gran número y a la vez vamos a los colegios, llevamos videos y programas, ya que el Museo siente que debe ser difundido en las aulas escolares.

¿Cómo se sostiene el Museo, en términos financieros?
El Museo es financiado por el Banco Central de Reserva que le otorga los fondos, y crea un ente intermedio que es la Fundación Cultural del Banco que está conformado por un directorio, un ejecutivo que administra el dinero y los distribuyen a los distintos centros, ya que somos cinco grandes centros y estamos bajo la tutela del banco central.
El Museo en realidad depende del Banco Central y es una institución de lo más interesante a diferencia de muchas otras instituciones culturales que cambian de acuerdo al gobierno de turno porque es muy común en éstos países que no se le dé continuidad a sus programas.

Este museo tiene una continuidad de muchos años, por ejemplo tenemos una reunión anual de Etnología que ya tiene 25 años y que se publican en dos tomos gruesos, muchos colegas peruanos viajan casi de forma habitual… la última semana del mes de agosto.

Invite a los Amigos Cusqueños –sobretodo-, a los Peruanos y a todos en general a Visitar el Museo y Bolivia:

La regiones cercanas a la ciudad de La Paz, como es Puno, Cusco viven personas con las que estamos familiarizados, son parte de nuestro contexto. Creo que hemos roto las fronteras que nos han dividido en el pasado. Así que no sólo tenemos una historia común sino preocupaciones, procesos históricos que nos están llevando a transformaciones de lo más interesantes.

Nos sentimos hermanados con Perú, especialmente con Cusco y Puno por la cercanía de la ciudad de La Paz con ésta región. Así que todos los hermanos, -por supuesto- están Bienvenidos a ésta Ciudad que es También de Ustedes Obviamente.

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Mi infancia se remonta a una vieja casona de la calle Nueva Alta. En nuestra casa teníamos una ventana desde donde se veía todo el valle del Cusco cubriendo su vista horizontal hasta la parte sur coronada del Nevado del Ausangate. Sentada en esa ventana grababa en mi memoria una geografía que jamás he de olvidar, los cerros circundantes me obligaban a saltar imaginariamente a las alturas y abrir mi mente al extenso Quispicanchis. Paralelamente mis oídos viajaban al compás de una emisora en la que ponían huaynos cusqueños.

Las radios cusqueñas que en aquellos años eran pocas, tenían como boom musical al Orquestín Cusqueño. Sus intérpretes provenían de Cangalli, Checacupe, Quiquijana, Cusipata, Tinta, Lloqllora, Canchis: el gran sur.

La Música de Orquestín para Mí contenía algo especial, guardaba entre sus notas un espíritu de mestizaje, quizá por eso mi identificación personal con ella. Porque resume en sus melodías un proceso que viene desde Tupac Amaru, tiene en su esencia un ánimo rebelde que obliga a bailar a quien la oye.
Aun me parece inverosímil, que tanta haya sido la lejanía geográfica que me separaba de esos ritmos y la cercanía que me ofrecía un aparato tan simple como la radio. Todo ello sintetizado en la ventana de aquella casona vieja. Pienso que fue un agujero en el espacio, donde no existían el tiempo ni el espacio. Todo en el mismo lugar despertó Mi interés por descubrir la Música Andina.

Las radios de aquella época, terminaban su programación cuando se iba el sol, a eso de las seis o siete de la noche. Recuerdo a una emisora que ponía discos interminables a esa hora.

Música de todos los Grupos de Orquestines donde la Vocalista imitaba a un ave, porque su voz era tan aguda como el Violín y la Quena que la acompañaban. Además de la Mandolina, de sonido elegante y rasgueos finos junto a al Arpa afinada por la sirena tallada en su cuerpo, elegancia de bajos y agudos. Todos al compás rítmico de un jazz band o batería, conformada por un tambor, un bombo y una campana que le daba sutiles toques de sabor cholo. El Orquestín tiene influencia del swing (un estilo de jazz eminentemente orquestal) que andaba de moda por aquella época. Conjuncionando todos estos ingredientes, el resultado musical era/es impresionante y colorido, una singularidad compleja.

Musicalmente me perdí del Orquestín, por el normal proceso de “evolución y socialización” al que somos sometidos gracias a los medios de comunicación, con supuestos y efímeros éxitos llegue a disfrutar de un meneíto y de una lambada y podría hoy mismo bailar mecánicamente un tema gasolinero.

Pero fue una casualidad, que viajara hace unos años a Paucartambo para ver el despliegue fantástico de las danzas. Mas allá y más cerca de la misma esencia, desfilando tras la mayoría de las comparsas, me encontré nuevamente con el Orquestín, esta vez en vivo y en directo no tenia excusa para cambiar de emisora sino entregarme completamente a ese ritmo que mi memoria infantil había guardado tan bien intuyendo su gigantesco cuerpo. Esta vez con un oído maduro, palpaba concientemente su belleza musical que presenta a los oídos una gama de sonidos profundos.

Actualmente, los Orquestines siguen siendo originarios de la zona de Quispicanchis. Siendo fundamentales dentro de las fiestas patronales en todo Cusco. El sonido del Orquestín es sutil y delicado, pero a la vez telúrico y penetrante.

En la actualidad, sus integrantes instrumentales han sido reemplazados en un afán de supervivencia sonora, por uno o dos acordeones, trompetas y otros que la creatividad permita, para que suenen más fuertes. Finalmente, los Orquestines se transformaron en grupos electrónicos que usan guitarras, bajos, sintetizadores y baterías eléctricas.

El Orquestín esta muriendo. Los interpretes, mayores de cincuenta años en su gran mayoría son todavía los rezagos de aquel boom que puso de moda esta música en los anos 70′s. Algunos jóvenes que tocan por herencia son inconcientes de su valor y asumen posturas de prejuicio hacia ellas, tocándola obligadamente y sin gusto. El Orquestín esta muriendo por falta de intérpretes, por falta de conciencia y conocimiento real.

Su sonido, me conmueve todavía y despierta paisajes interiores al descubrir sus detalles. Imagino un Cusco señorial y elegante que me invita a disfrutar de su gracia. Yo, no puedo rechazar su invitación. Me dejo llevar de la mano y la bailo incansablemente.